La revista nodo es una publicación semestral editada por la Facultad de Artes y la Vicerrectoría de Ciencia, Tecnología e Innovación (VCTI) de la Universidad Antonio Nariño (UAN), en Bogotá, Colombia. Publica artículos de investigación y creación científica y tecnológica, de reflexión y de revisión en artes y humanidades, con ejes transversales como ciudad, industrias creativas y culturales, estéticas emergentes, procesos derivados de la investigación creación que, desde estructuras disciplinadas y planificadas, generen nuevos conocimientos, desarrollos tecnológicos e innovaciones aplicados a temas coyunturales que impactan a las sociedades en general.
Direitos autorais (c) 2026 Norma Patiño https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Apresentação do tema da edição da Nodo.
Direitos autorais (c) 2026 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Por un arte al servicio del pueblo: Frente Nacional de Artes Plásticas (1952-1963), de Raúl Cano Monroy
El libro ofrece una mirada profunda a la historia del Frente Nacional de Artes Plásticas, una agrupación que, entre 1952 y 1963, promovió el arte mexicano a nivel nacional e internacional, defendiendo el realismo como estilo predominante.
Direitos autorais (c) 2026 Dina Comisarenco Mirkin https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Inés Amor y los primeros años de la Galería de Arte Mexicano, de Eréndira Derbez
A través de una exhaustiva investigación en los archivos de la Galería de Arte Mexicano, Eréndira Derbez nos lleva a descubrir cómo Inés Amor se abrió camino en un mundo dominado por hombres y desafió los estereotipos para convertirse en una de las figuras más influyentes del arte en México.
Direitos autorais (c) 2026 Dina Comisarenko Mirkin https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dançar em tempos de guerra. Um olhar sobre o expressionismo alemão e as raízes do butô
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwj7hN7-396UAxWN8MkDHUdhKZMQ3ewLegQIDRAV" aria-label="Texto traducido: Neste texto, abordaremos, sob uma perspectiva filosófica e antropológica, alguns fenômenos que permearam o desenvolvimento da dança nos períodos pré e pós-guerra, especificamente em dois contextos socioculturais: em primeiro lugar, por meio de certas manifestações estéticas que emergiram durante a era do Expressionismo Alemão e, em segundo lugar, por meio de uma breve exploração das raízes da dança Butoh no Japão. Esta análise nos permitirá refletir sobre a importância da experiência corporal na construção do significado social, particularmente em contextos de profunda crise.">Neste texto, abordaremos, sob uma perspectiva filosófica e antropológica, alguns fenômenos que permearam o desenvolvimento da dança nos períodos pré e pós-guerra, especificamente em dois contextos socioculturais: em primeiro lugar, por meio de certas manifestações estéticas que emergiram durante a era do Expressionismo Alemão e, em segundo lugar, por meio de uma breve exploração das raízes da dança Butoh no Japão. Esta análise nos permitirá refletir sobre a importância da experiência corporal na construção do significado social, particularmente em contextos de profunda crise.
Direitos autorais (c) 2026 Nayeli Pérez Monjaraz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Naó: sanación sonora en espiral como dispositivo de investigación-creación intercultural
Direitos autorais (c) 2026 Paola Tásai https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La transexualidad en la obra fotográfica de Susana Casarin
A lo largo de la historia de la humanidad han existido ta­búes y pre­juicios hacia las personas transgénero y travestis, sin perder de vista los embates científicos. Hoy en día si­gue en pie la discusión para visibilizar y exigir sus de­rechos humanos. En este trabajo se com­parti­rán algu­nas reflexiones sobre la obra fotográfica de Su­sana Casarin, quien ha dado visibilidad a las personas transgéne­ro en sus series Realidades y deseos (2012) y Muxes y apsaras (2020), las cuales han sido exhibidas en museos nacionales e internacionales. Asimismo, su serie Muxes inspiró la realización de un cortometraje documental por el guionista y director Javier Solórzano Casarin. La fotografía, como disciplina del arte, ha de­sem­peñado en este sentido un papel relevante y es un apoyo para mostrar a estas personas en su esencia.
Direitos autorais (c) 2026 Norma Salazar https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Estéticas de los comunes sobre el fenómeno migratorio en la obra de Zanele Muholi, Marta Palau y Lara Ruiz
¿Dónde reside la agencia política del arte migrante? Frente a los análisis centrados en el testimonio o la representación, este artículo sostiene que su potencia crítica es fundamentalmente metodológica. Partiendo de un marco que integra el pensamiento fronterizo (Mignolo) como epistemología de la exterioridad, la crítica feminista negra (Lorde, hooks) como teoría de la mirada, y la agencia de la materia (Bennett) como ontología política, argumentamos que la condición migran­te activa poéticas del rehacer: estrategias formales y materiales que traducen la experiencia del desplazamiento en procedimientos críticos. El análisis comparativo de Zanele Muholi, Marta Palau y Lara Ruiz revela tres de estas estrategias: 1) la auto-inscripción soberana, que erige el cuerpo en contra-archivo; 2) la síntesis material transcultural, que ritualiza el duelo en la materia; y 3) la cartografía relacional, que fabrica lo co­mún mediante la co-creación. Más allá de su diversidad, estas prácticas convergen en desactivar la estética es­pectacular del trauma a través de tácticas materiales especializadas —sobre-inscripción, materialización, re­paración— que constituyen una crítica inmanente al régimen necropolítico de la frontera. La principal con­tribución teórica del artículo es el concepto de “estética de los comunes”, que se define aquí en diálogo crí­tico con su genealogía conservadora (Hardin, 1968), pero se reapropia desde una perspectiva decolonial y feminista como una performance material de lo común, que sintetiza el imaginario político prefigurado por la obra de las artistas seleccionadas: un horizonte donde lo común se performa como cuerpo soberano, memoria material y suelo compartido. Así, el artículo reubica el debate, demostrando que la transformación política en el arte migrante no se anuncia, sino que se ejecuta en el hacer.
Direitos autorais (c) 2026 Raquel Lara Ruiz, Felismino Borges Da Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Performance político y acción colectiva. Dispositivos pedagógicos para el cambio social
En este artículo se pretende discutir una propuesta ana­lítica poco explorada sobre la relación que existe entre tres importantes anclajes de estudio en las ciencias so­ciales y las humanidades: 1) el performance político, 2) la acción colectiva, y 3) los procesos pedagógicos no escolares. A través de la fundamentación teórica que han desarrollado en lo específico estos anclajes, se plantea, en la primera parte, una ruta que ensamble sus nociones clave a fin de comprender de qué manera el performance político es un dispositivo en tanto componente estratégico en la protesta, que propende a ir más allá de su carácter transmisor de inconformidades o demandas que interpelan a la autoridad, a las institu­ciones y al Estado mismo. Al mismo tiempo, produce efectos de concientización sobre el ser y el mundo en los colectivos, las comu­nidades y la sociedad en general. Así, el proceso de concientización se entiende como parte del aprendizaje inherente para el cambio social. Se presentan algunos casos emblemáticos de movimientos sociales y acciones colectivas cuyas resonancias ejemplifican la articulación de dichos anclajes.
Direitos autorais (c) 2026 Guadalupe Olivier Téllez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Quando o espaço se lembra: A morte parte do leste
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwjA0OXOh86UAxVUJ0QIHfRlC8QQ3ewLegQIDRAV" aria-label="Texto traducido: Esta pesquisa analisa o projeto artístico *La muerte sale por Oriente* (2014–presente), desenvolvido pela artista Sonia Madrigal. O projeto consiste em um registro fotográfico documental, uma ação artística e a construção de um mapa coletivo. A pesquisa explora como o projeto realiza uma intervenção pública para combater e denunciar a violência de gênero em espaços altamente marginalizados. Assim, o objetivo deste texto é explicar que *La muerte sale por Oriente* é uma ferramenta para denunciar e combater a violência de gênero, partindo de uma experiência estético-afetiva para transformar as estruturas simbólicas que constituem tal violência. Ao mesmo tempo, o texto se fundamenta nas teorias de Patricia Hills Collins, Andrea Giunta, Mara Polgovsky e Rosalyn Deutsche, e incorpora uma metodologia dos estudos feministas e da teoria da arte.">Esta pesquisa analisa o projeto artístico *La muerte sale por Oriente* (2014–presente), desenvolvido pela artista Sonia Madrigal. O projeto consiste em um registro fotográfico documental, uma ação artística e a construção de um mapa coletivo. A pesquisa explora como o projeto realiza uma intervenção pública para combater e denunciar a violência de gênero em espaços altamente marginalizados. Assim, o objetivo deste texto é explicar que *La muerte sale por Oriente* é uma ferramenta para denunciar e combater a violência de gênero, partindo de uma experiência estético-afetiva para transformar as estruturas simbólicas que constituem tal violência. Ao mesmo tempo, o texto se fundamenta nas teorias de Patricia Hills Collins, Andrea Giunta, Mara Polgovsky e Rosalyn Deutsche, e incorpora uma metodologia dos estudos feministas e da teoria da arte.
Direitos autorais (c) 2026 Cecilia Itzel Noriega Vega https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Teresa Margolles, Laura Valencia y Fabiola Rayas: una obra cuerpo a cuerpo con la violencia
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwj4m_aQmaOUAxWa2BoGHSWKChYQ3ewLegQIDBAV" aria-label="Texto traducido: Por mais de vinte anos, práticas artísticas têm se desenvolvido em espaços públicos para dar visibilidade às formas de violência que impactam a sociedade civil mexicana. Iniciadas por coletivos que podem ou não trabalhar com artistas, o uso de formas artísticas nos convida a questionar o potencial da criação, a estética empregada em resposta à violência e os impactos alcançados. Esta análise se concentra em duas gerações de artistas mulheres que colocaram a violência social e política no centro de sua prática: Teresa Margolles (1965), Laura Valencia (1979) e Fabiola Rayas (1985). Cada retrato busca compreender como a arte transita do museu para a rua e as mudanças induzidas por essa transição em termos de criação, recepção e exibição. A análise nos permite examinar as relações entre arte e artivismo, o papel do corpo e a originalidade da obra resultante.">Por mais de vinte anos, práticas artísticas têm se desenvolvido em espaços públicos para dar visibilidade às formas de violência que impactam a sociedade civil mexicana. Iniciadas por coletivos que podem ou não trabalhar com artistas, o uso de formas artísticas nos convida a questionar o potencial da criação, a estética empregada em resposta à violência e os impactos alcançados. Esta análise se concentra em duas gerações de artistas mulheres que colocaram a violência social e política no centro de sua prática: Teresa Margolles (1965), Laura Valencia (1979) e Fabiola Rayas (1985). Cada retrato busca compreender como a arte transita do museu para a rua e as mudanças induzidas por essa transição em termos de criação, recepção e exibição. A análise nos permite examinar as relações entre arte e artivismo, o papel do corpo e a originalidade da obra resultante.
Direitos autorais (c) 2026 Caroline Perrée https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Solidaridad, dolor y resistencia: el mural de Sofía Bassi y sus colegas rupturistas tras las rejas
En el texto se analiza el mural creado en la cárcel de Acapulco por la pintora Surrealista Sofía Bassi, con la colaboración solidaria de sus colegas del movimiento La Ruptura: Alberto Gironella, José Luis Cuevas, Rafael Coronel y Francisco Corzas. El trabajo comienza con un breve recuento de la vida de la artista y su trágico desenlace a partir del asesinato de su yerno del que se auto-culpó, alegando siempre que fue un accidente involuntario. Posteriormente se realiza un minucioso análisis iconográfico de cada una de sus secciones, prestando particular atención a sus temáticas particulares y comunes, así como a la utilización de referencias artísticas intertextuales, y a la incorporación de retratos y autorretratos, especialmente de la misma Bassi y de su hija Claire. En el texto se presta especial atención a la sección titulada La Calumnia, creada por Bassi, contextualizando la obra a partir de fuentes pictóricas y filosóficas, y principalmente de su extraordinaria defensa de su hija, durante todo el proceso. Finalmente se reflexiona sobre el arte como forma de superación del dolor, denuncia y resistencia colectiva, así como sobre la importancia del mural colectivo en la historia del arte mexicano tanto por su potente denuncia en contra de los abusos de poder y de la fragilidad de la justicia en México de los años sesenta, así como por su defensa de los derechos humanos en general, y de las mujeres en particular.
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwj2juTQrteUAxXanSYFHc3gHNQQ3ewLegQIDRAV" aria-label="Texto traducido: Este ensaio apresenta um léxico operacional e um procedimento metodológico para abordar a pesquisa criativa como produção de conhecimento situada. Ancorado em um ponto de partida autoetnográfico marcado pela violência no México, define aparato (percepção/arquivo/ativação), o selvagem e epistemologias selvagens, juntamente com dois eixos posicionais: locus de enunciação e deslocamento epistêmico. Enquadra o aparato como um princípio relacional de estruturação e o selvagem como uma orientação para além das estruturas domesticadas de inteligibilidade. Propõe a Pesquisa Artística Transdisciplinar Baseada na Percepção (P-TBAR) como um procedimento que vincula ferramentas conceituais a decisões criativas. O argumento é evidenciado por meio de estudos de caso, incluindo 2487, detritus, power·room e Vis.Fuerza[in]necesaria_1.01.">Este ensaio apresenta um léxico operacional e um procedimento metodológico para abordar a pesquisa criativa como produção de conhecimento situada. Ancorado em um ponto de partida autoetnográfico marcado pela violência no México, define aparato (percepção/arquivo/ativação), o selvagem e epistemologias selvagens, juntamente com dois eixos posicionais: locus de enunciação e deslocamento epistêmico. Enquadra o aparato como um princípio relacional de estruturação e o selvagem como uma orientação para além das estruturas domesticadas de inteligibilidade. Propõe a Pesquisa Artística Transdisciplinar Baseada na Percepção (P-TBAR) como um procedimento que vincula ferramentas conceituais a decisões criativas. O argumento é evidenciado por meio de estudos de caso, incluindo 2487, detritus, power·room e Vis.Fuerza[in]necesaria_1.01.
Direitos autorais (c) 2026 Luz María Sánchez Cardona https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" aria-label="Texto traducido: A escultora Maribel Portela (Cidade do México, 1960) apresentou a obra Arboleda sonora no Museu de Arte Moderna da Cidade do México, de março a junho de 2024. O crítico de arte Irving Domínguez analisa as quarenta e cinco peças que fizeram parte desta exposição." data-ved="2ahUKEwj4l5v4n5eUAxW7nWoFHdADDTkQ3ewLegQIDRAV">A escultora Maribel Portela (Cidade do México, 1960) apresentou a obra Arboleda sonora no Museu de Arte Moderna da Cidade do México, de março a junho de 2024. O crítico de arte Irving Domínguez analisa as quarenta e cinco peças que fizeram parte desta exposição.
Direitos autorais (c) 2026 Irving Domínguez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwj4m_aQmaOUAxWa2BoGHSWKChYQ3ewLegQIDBAV" aria-label="Texto traducido: Neste ensaio, proponho analisar a relação entre as artes performativas (neste caso, a dança contemporânea) e as formas de materialização ao vivo que criam algo distinto, tradicionalmente situado no âmbito das artes visuais. A relação entre o efêmero e o material na dança e no desenho coincide inicialmente num espaço performativo-criativo e, simultaneamente, gera espaços midiáticos claramente diferenciados. O ensaio centra-se na noção do olhar em suas múltiplas manifestações: na observação e materialização do que é observado pelo artista, no olhar como uma espécie de metáfora e na forma como influencia o arquivo em construção. Este arquivo deriva do legado do artista, pintor, videógrafo e cenógrafo Eduardo López Lemus, e inclui sua obra e observações (novamente, um olhar específico), bem como diversas reflexões sobre a conceitualização do arquivo. Encontramos repetidamente a presença do olhar, agora na forma de conceitos-imagem, exemplificados pela observação de segunda ordem transformada em ação; e a ausência como um problema de representação.">Neste ensaio, proponho analisar a relação entre as artes performativas (neste caso, a dança contemporânea) e as formas de materialização ao vivo que criam algo distinto, tradicionalmente situado no âmbito das artes visuais. A relação entre o efêmero e o material na dança e no desenho coincide inicialmente num espaço performativo-criativo e, simultaneamente, gera espaços midiáticos claramente diferenciados. O ensaio centra-se na noção do olhar em suas múltiplas manifestações: na observação e materialização do que é observado pelo artista, no olhar como uma espécie de metáfora e na forma como influencia o arquivo em construção. Este arquivo deriva do legado do artista, pintor, videógrafo e cenógrafo Eduardo López Lemus, e inclui sua obra e observações (novamente, um olhar específico), bem como diversas reflexões sobre a conceitualização do arquivo. Encontramos repetidamente a presença do olhar, agora na forma de conceitos-imagem, exemplificados pela observação de segunda ordem transformada em ação; e a ausência como um problema de representação.
Direitos autorais (c) 2026 Silvia Pappe https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imagen, figura y salvajismo: : una apuesta afectiva desde la práctica artística en la conformación de imaginarios en resistencia
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" aria-label="Texto traducido: Este trabalho surge de um interesse pessoal no impacto da afetividade no estudo da iconografia contemporânea. Nesse contexto, consideramos a sensibilidade e a colaboração como um horizonte onde se anuncia o paradigma emergente do desenvolvimento artístico. Quatro projetos visuais são propostos e analisados, todos apontando fundamentalmente para a virada afetiva como um modo de resistência, à luz das noções de figura e selvagem de Jean-François Lyotard." data-ved="2ahUKEwj4l5v4n5eUAxW7nWoFHdADDTkQ3ewLegQIDRAV">Este trabalho surge de um interesse pessoal no impacto da afetividade no estudo da iconografia contemporânea. Nesse contexto, consideramos a sensibilidade e a colaboração como um horizonte onde se anuncia o paradigma emergente do desenvolvimento artístico. Quatro projetos visuais são propostos e analisados, todos apontando fundamentalmente para a virada afetiva como um modo de resistência, à luz das noções de figura e selvagem de Jean-François Lyotard.
Direitos autorais (c) 2026 Juliana Rojas https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Práxis epistemológica: arte e pesquisa como processos de produção de conhecimento
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwj007b017KUAxXlnGoFHb0gPDQQ3ewLegQIDRAV" aria-label="Texto traducido: A criação artística e a pesquisa científica constituem dois pilares fundamentais na construção do conhecimento humano. Nas últimas décadas, uma significativa transformação epistêmica desafiou a separação histórica entre elas, levando, em vez disso, a um exame mais preciso de sua inter-relação. O principal objetivo desta pesquisa é explorar e problematizar as relações existentes entre essas duas atividades por meio da análise de fontes documentais e das reflexões dos autores sobre suas próprias experiências como pesquisadores e criadores. Os resultados mais relevantes indicam que a criação artística e a pesquisa geram tanto conhecimento cognitivo quanto estético.">A criação artística e a pesquisa científica constituem dois pilares fundamentais na construção do conhecimento humano. Nas últimas décadas, uma significativa transformação epistêmica desafiou a separação histórica entre elas, levando, em vez disso, a um exame mais preciso de sua inter-relação. O principal objetivo desta pesquisa é explorar e problematizar as relações existentes entre essas duas atividades por meio da análise de fontes documentais e das reflexões dos autores sobre suas próprias experiências como pesquisadores e criadores. Os resultados mais relevantes indicam que a criação artística e a pesquisa geram tanto conhecimento cognitivo quanto estético.
Direitos autorais (c) 2026 Mabel Arellano Luna, Elsa Herrera Bautista https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ciudad futura: panoramas utópicos y distópicos
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwj007b017KUAxXlnGoFHb0gPDQQ3ewLegQIDRAV" aria-label="Texto traducido: A Cidade do Futuro: Panoramas Utópicos e Distópicos é um projeto de pesquisa-criação pictórica realizado com o apoio do Sistema Nacional de Criadores de Arte, concedido pelo Ministério da Cultura do Governo do México, através do Sistema de Apoio à Criação e Projetos Culturais (SACPC). Consiste na criação de panoramas ficcionais do futuro da Cidade do México, baseados em registros fotográficos de uma série de viagens de campo etnográficas, bem como em imagens da imprensa e desenhos pessoais.">A Cidade do Futuro: Panoramas Utópicos e Distópicos é um projeto de pesquisa-criação pictórica realizado com o apoio do Sistema Nacional de Criadores de Arte, concedido pelo Ministério da Cultura do Governo do México, através do Sistema de Apoio à Criação e Projetos Culturais (SACPC). Consiste na criação de panoramas ficcionais do futuro da Cidade do México, baseados em registros fotográficos de uma série de viagens de campo etnográficas, bem como em imagens da imprensa e desenhos pessoais.
Direitos autorais (c) 2026 Maria Campiglia https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Mirar desde adentro: producción audiovisual indígena frente a la violencia del archivo
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" aria-label="Texto traducido: Este artigo analisa um conjunto de práticas audiovisuais criadas por artistas indígenas como formas críticas de intervenção nos regimes hegemônicos de representação e nas maneiras pelas quais o arquivo historicamente organizou a imagem. Partindo da compreensão do arquivo como uma tecnologia que fixa, classifica e regula o significado, propõe-se considerar as mídias audiovisuais não apenas como um meio de representação, mas também como um espaço para a produção de memória, experiência e agência política situada. A partir da noção de olhar de dentro, o texto examina como essas práticas deslocam o lugar atribuído à imagem indígena nos arquivos institucionais e midiáticos, ativando formas de produção que transbordam sua lógica organizacional. A análise é articulada por meio de um conjunto limitado de obras que nos permitem observar diferentes regimes de visibilidade e suas transformações. Em vez de constituir um exterior puro, essas práticas introduzem fissuras nos modos de registro e circulação, reconfigurando as relações entre corpo, território, tempo e autoria a partir de referenciais culturais situados. Em diálogo com os estudos da cultura visual e as críticas arquivísticas contemporâneas, o artigo argumenta que essas práticas não apenas transformam os modos de representação, mas também abrem áreas de opacidade onde o significado não está totalmente estabilizado, permitindo-nos pensar sobre imagem, memória e conhecimento para além das categorias universais ou hegemônicas." data-ved="2ahUKEwj4l5v4n5eUAxW7nWoFHdADDTkQ3ewLegQIDRAV">Este artigo analisa um conjunto de práticas audiovisuais criadas por artistas indígenas como formas críticas de intervenção nos regimes hegemônicos de representação e nas maneiras pelas quais o arquivo historicamente organizou a imagem. Partindo da compreensão do arquivo como uma tecnologia que fixa, classifica e regula o significado, propõe-se considerar as mídias audiovisuais não apenas como um meio de representação, mas também como um espaço para a produção de memória, experiência e agência política situada. A partir da noção de olhar de dentro, o texto examina como essas práticas deslocam o lugar atribuído à imagem indígena nos arquivos institucionais e midiáticos, ativando formas de produção que transbordam sua lógica organizacional. A análise é articulada por meio de um conjunto limitado de obras que nos permitem observar diferentes regimes de visibilidade e suas transformações. Em vez de constituir um exterior puro, essas práticas introduzem fissuras nos modos de registro e circulação, reconfigurando as relações entre corpo, território, tempo e autoria a partir de referenciais culturais situados. Em diálogo com os estudos da cultura visual e as críticas arquivísticas contemporâneas, o artigo argumenta que essas práticas não apenas transformam os modos de representação, mas também abrem áreas de opacidade onde o significado não está totalmente estabilizado, permitindo-nos pensar sobre imagem, memória e conhecimento para além das categorias universais ou hegemônicas.
Direitos autorais (c) 2026 María Cristina Luna-Tamayo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Mujeres y diosas. La cuerpa lésbica como posibilidad enunciativa en las artes visuales
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwiQx8rSy7KUAxWbw8kDHdIMCDMQ3ewLegQIDRAV" aria-label="Texto traducido: Este ensaio crítico-criativo reflete sobre o corpo lésbico como uma possibilidade de expressão nas artes visuais, baseando-se em análises históricas, teoria feminista da arte, prática artística e arquivos autobiográficos. Em contraste com um imaginário visual do lesbianismo historicamente construído a partir do olhar masculino heterossexual, que reduziu as relações entre mulheres a um espetáculo erótico e fetichizado para consumo, o texto propõe a recuperação de genealogias, experiências e modos de representação que emergem da autoria lésbica e da dissidência sexual não normativa. O ensaio articula duas categorias para a compreensão da arte lésbica: por um lado, obras que representam explicitamente laços eróticos, afetivos ou íntimos entre mulheres; por outro, produções inscritas em diversas linguagens artísticas cujo poder lésbico opera de forma sutil, simbólica ou política, a partir da identidade, das vidas e das posições de suas criadoras. Por meio de exemplos históricos e contemporâneos das artes visuais, performáticas e audiovisuais, o texto delineia a construção de um contra-arquivo que torna visíveis corpos, desejos e afetos tradicionalmente marginalizados da narrativa hegemônica da arte. A partir de uma perspectiva situada, o texto integra a experiência pessoal e a prática artística como formas legítimas de produção de conhecimento, compreendendo o arquivo autobiográfico, a memória e o tempo como espaços de resistência. Dessa forma, o lesbianismo é afirmado não apenas como objeto de representação, mas também como uma posição ativa de enunciação, criação e produção de novas cartografias visuais.">Este ensaio crítico-criativo reflete sobre o corpo lésbico como uma possibilidade de expressão nas artes visuais, baseando-se em análises históricas, teoria feminista da arte, prática artística e arquivos autobiográficos. Em contraste com um imaginário visual do lesbianismo historicamente construído a partir do olhar masculino heterossexual, que reduziu as relações entre mulheres a um espetáculo erótico e fetichizado para consumo, o texto propõe a recuperação de genealogias, experiências e modos de representação que emergem da autoria lésbica e da dissidência sexual não normativa. O ensaio articula duas categorias para a compreensão da arte lésbica: por um lado, obras que representam explicitamente laços eróticos, afetivos ou íntimos entre mulheres; por outro, produções inscritas em diversas linguagens artísticas cujo poder lésbico opera de forma sutil, simbólica ou política, a partir da identidade, das vidas e das posições de suas criadoras. Por meio de exemplos históricos e contemporâneos das artes visuais, performáticas e audiovisuais, o texto delineia a construção de um contra-arquivo que torna visíveis corpos, desejos e afetos tradicionalmente marginalizados da narrativa hegemônica da arte. A partir de uma perspectiva situada, o texto integra a experiência pessoal e a prática artística como formas legítimas de produção de conhecimento, compreendendo o arquivo autobiográfico, a memória e o tempo como espaços de resistência. Dessa forma, o lesbianismo é afirmado não apenas como objeto de representação, mas também como uma posição ativa de enunciação, criação e produção de novas cartografias visuais.
Direitos autorais (c) 2026 Lila Jamieson https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Caracterización cuantitativa de las producciones audiovisuales en cine y televisión en el departamento del Meta (Colombia) entre 2000 y 2025
Este artículo analiza la evolución de la producción audiovisual en cine y televisión en el departamento del Meta (Colombia) entre los años 2000 y 2025. A partir de una metodología cuantitativa, se sistematizaron 85 fichas técnicas que permitieron identificar tendencias en formato, duración, género, temáticas, circulación y reconocimientos. Se encontró un predominio del cortometraje sobre el largometraje, con una fuerte presencia de producciones de ficción y documentales, orientadas a representar la vida cotidiana, las tradiciones llaneras, la memoria colectiva y el conflicto armado. El año 2019 marcó un pico significativo de producción, coincidiendo con un contexto nacional de fortalecimiento del sector audiovisual. Aunque muchas obras han sido reconocidas en festivales como Pele el Ojo y Crisol, su circulación continúa siendo mayoritariamente local. Se evidencia una dependencia del financiamiento estatal y una limitada distribución nacional e internacional. Se concluye que la producción audiovisual en el Meta ha madurado hacia narrativas más críticas, diversas y comprometidas, pero requiere estrategias de fortalecimiento que incluyan políticas integrales de distribución, preservación, profesionalización y archivo regional. El audiovisual se consolida como una herramienta clave en la construcción simbólica del territorio y la memoria en el contexto del posacuerdo.
Direitos autorais (c) 2025 Andrés Molano Téllez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El olor de Bucaramanga, Colombia, en las memorias enunciadas por habitantes urbanos
El cuerpo del actor social entreteje la historia personal y colectiva; en él se encauzan distancias y aproximaciones ante los estereotipos sobre el hábitat. Este artículo expone resultados de la investigación cualitativa de la valoración del entorno sociocultural según la memoria olfativa expresada por los testimonios de cin­co habitantes de Bucaramanga, Colombia. El proceso cien­tífico establece cómo el modo de decir del olor dinami­za el pensamiento y el hacer en el entorno de vida. En este estudio de casos, los datos que relacionan las per­cepciones olfatorias con simulacros de la ciudad son tratados con la lingüística y la semiótica de las prácticas culturales. Los tres regímenes de enunciación encontrados expresan los prediscursos sobre el espacio habitado a modo de una cartografía que, desde la sen­sibilidad, es expresada verbalmente por los informantes. Conclusivamente, queda establecida la pertinencia de la palabra íntima de los habitantes urbanos que expresan cómo sobrellevan la vida en las inmediaciones de un entorno urbano padecido cotidianamente.
Direitos autorais (c) 2025 José Horacio Rosales Cueva, Juan Sebastián Vargas Trujillo, Juan David Osma Bernal https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O muralista e cenógrafo chileno Alejandro "Mono" González no Filuni, no México
Resenha da participação de “Mono” González no Filuni México.
Direitos autorais (c) 2025 Merry MacMaster https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
<pre id="tw-target-text" class="tw-data-text tw-text-large tw-ta" dir="ltr" tabindex="-1" role="text" data-placeholder="Traducción" data-ved="2ahUKEwib4Kj5uuqQAxWK5ckDHZV9NsoQ3ewLegQIChAV" aria-label="Texto traducido: Observações introdutórias à exposição “Retratos Intervencionados”, do fotógrafo mexicano Rogelio Cuellar, que esteve em cartaz na Casa do Livro Universitário (Casul) da UNAM, na Cidade do México, de 6 de setembro a 10 de outubro de 2025.">Observações introdutórias à exposição “Retratos Intervencionados”, do fotógrafo mexicano Rogelio Cuellar, que esteve em cartaz na Casa do Livro Universitário (Casul) da UNAM, na Cidade do México, de 6 de setembro a 10 de outubro de 2025.
Direitos autorais (c) 2025 Edgardo Bermejo Mora https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Notas sobre la noción de territorio en la arquitectura
La comprensión de las relaciones y los vínculos entre los conceptos arquitectura y territorio desde la aproximación disciplinar de la arquitectura, aporta al debate académico sobre la noción de territorio en la praxis y a reducir la brecha conceptual en la producción académica y profesional. La delineación preliminar de los ejes vinculantes es resultado de la indagación en diversas publicaciones de autores especializados, así como de la validación conceptual mediante la entrevista en el campo profesional y el sondeo en el campo académico. La discusión considera la autonomía disciplinar y conceptual, la complejidad de las interacciones dentro de un esquema articulado por el proyecto y la noción de lugar a partir del objeto, y la actuación bajo principios rectores de la praxis y la transversalidad del hábitat y el paisaje.
Direitos autorais (c) 2020 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La mujer pública, ¿tiene género el espacio público?
La relación mujer-espacio público remite por una parte a la paradigmática dicotomía público/ privado en la que se esbozan los roles fundamentales de hombres y mujeres con todas sus implicaciones en lo que respecta al uso y disfrute de la ciudad; y por la otra, está atravesada por las múltiples desigualdades estructurales que padecen las féminas en el seno de la sociedad mayor que también se configuran y visibilizan en las comarcas públicas urbanas. Es desde esa perspectiva que se enmarca este artículo cuyo propósito fundamental es reflexionar sobre los lugares que las mujeres ocupan en la vida citadina, partiendo del hecho de que han sido borradas históricamente de la esfera pública, y confinadas en el ámbito de lo oculto, lo invisible, lo innombrable. En tal sentido también se pone en entredicho esa noción de espacio público tan apetecida por algunos urbanistas y constructores de ciudad que la asocian con la democracia, la accesibilidad y la asepsia, cualidades que sólo parece estar presentes en sus miradas unificadoras y de claro tinte patriarcal. Así pues, no es posible ignorar las estructuraciones sociales desiguales y discriminatorias –en función de edad, ideología, clase, identificación étnica, género– que configuran las comarcas públicas urbanas y desvanecen la idea de que en éstas todos los seres pueden gozar de los derechos fundamentales y acercarse, efectivamente, a esas nociones de democracia y libertad, tan exaltadas en la ciudad actual.
Eficacia tecnológica ambientalmente racional del agua aplicada en desarrollos urbanos integralmente sustentables: el área del Fraccionamiento Terralta en Guadalajara, Jalisco, México
En la presente investigación se ha realizado un trabajo en conjunto en donde participan la Universidad de Guadalajara, la Universidad Autónoma del Estado de México y la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. El proyecto comenzó con análisis y discusión teórica que llevó al desarrollo de un instrumento de evaluación desarrollado por los autores, posteriormente dicho instrumento fue aplicado en una tesis de maestría1 para la evaluación de un desarrollo habitacional dentro de la Zona Metropolitana de Guadalajara. El artículo propone la construcción de un modelo de evaluación de eficacia tecnológica ambientalmente racional aplicado al primer Desarrollo Urbano Integralmente Sustentable (DUIS) de vivienda situado en el área metropolitana de Guadalajara, que permita la generación de recomendaciones tecnológicas ambientalmente racionales de infraestructura hidráulica en dicho proyecto. El modelo contempla en su análisis dimensiones ambientales, tecnológicas, urbanas y de participación ciudadana, proponiéndolo como un insumo de planeación urbana que permita visualizar de manera inicial el manejo integrado a nivel local y ambientalmente racional del agua para los DUIS. Dentro del presente trabajo se desarrolló al par la tesis de maestría que lleva por nombre “Modelo de evaluación metabólica de la infraestructura hidráulica en la ciudad: alternativa instrumental para la proyectación de comunidades sustentables centradas en el agua” elaborada por la Maestra Alejandra Villagrana Gutiérrez, egresada de la Maestría en Procesos y Expresión Gráfica para la Proyectación Arquitectónica Urbana (MPEGPAU) del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño de la Universidad de Guadalajara.
Paisaje cultural lechero, cuestión de identidad
El ser humano transforma el paisaje natural, y a su vez el paisaje condiciona la identidad de quienes lo habitan. La relación recíproca y constante entre ser humano y paisaje ha sido reconocida reiteradamente y expuesta de manera clara y sintética en Landscape Character Assesment (Swanwick, 2002). La resultante de tal dinámica, son los paisajes culturales en constante transformación y diversos grados de antropización. La inquietud conceptual surgida al observar este hecho origina el presente artículo de índole reflexiva, aplicado a un territorio conocido y sentido por el autor, quien de esta manera inicia un proceso investigativo al respecto. El paisaje lechero de tierra fría en el norte de Antioquia es un ejemplo de paisaje cultural con intensa vocación productiva y reconocidos atractivos visuales, que se han consolidado en la medida en que la población campesina que lo habita ha transformado el bosque andino en un mosaico paisajístico de pastos, cultivos y cuerpos de agua, de acuerdo a las necesidades de cada momento histórico. En este escrito se propone una revisión de dicho paisaje cultural, a la luz del estado de conservación de su estructura natural, y de la forma en que ésta es percibida y valorada, como primer paso hacia la construcción de una relación armoniosa entre el paisaje y quienes lo habitan. Desde el enfoque paisajista, se proponen el reconocimiento de los valores significativos del paisaje lechero, y principalmente el análisis y registro de lo que ese paisaje representa para sus habitantes y visitantes. Se trata de reconocer las diversas maneras como la gente se identifica con su paisaje, escudriñando las representaciones e imaginarios subconscientes, en ese vínculo intangible, que va más allá del simple beneficio económico de subsistencia. Este trabajo expone las reflexiones iniciales desarrolladas por el autor en el primer año de la Maestría en Diseño del Paisaje, en los cursos: Paisaje Local, Teoría e Historia del Paisaje y Recurso Visual. Algunas imágenes que ilustran el artículo son producto del trabajo de campo y la observación permanente del paisaje lechero entre 2008 y 2016. El conjunto de textos e imágenes constituyen una reflexión que precede a la formulación de una investigación sobre Paisaje Cultural Lechero propuesta por el autor como trabajo de grado.
Revestimientos en tierra en edificaciones patrimoniales en Colombia
Los revestimientos cumplen la función de proteger al muro de soporte de los agentes exógenos que lo puedan afectar y degradar. En el ámbito del patrimonio uno de los morteros más usados hasta finales del siglo XVIII en Colombia, era el revestimiento con base a tierra. Este revestimiento servía de protección para muros construidos en la misma tierra como la tapia, el adobe o el bahareque con el que se considera están construidos por lo menos el 90% de los centros históricos de nuestro país. Para su desarrollo se debe tener en cuenta el comportamiento de los diferentes componentes como tierra, estabilizantes, aditivos, aglutinantes y agua. Sin embargo, en Colombia son pocos los estudios que permiten determinar las características de estos acabados en construcciones patrimoniales. Es por esto que se propone en el presente artículo indagar por el estado del arte sobre el estudio de los morteros en tierra, que permita aproximarnos y tener las bases teóricas para realizar los estudios de caracterización y comportamiento de éstos, de manera que respondan no solo a las necesidades de los restauradores, sino a aquellos que están interesados en su aplicación en edificaciones actuales.
Estrategias de sostenibilidad para la isla Tierra Bomba basadas en el concepto de estructura ecológica principal
La investigación de la cual da cuenta este artículo trata de aportar una gestión ambiental territorial de ejecución conjunta entre el Estado, la academia y las comunidades como resultado de un modelo de gestión basado en estrategias de sostenibilidad, formuladas a partir de la aplicación, en un ámbito local insular, del concepto de Estructura Ecológica Principal (EEP), y tomando como caso de estudio la isla de Tierra Bomba. Las estrategias de sostenibilidad propuestas buscan, a partir de los recursos naturales e interacciones sociales, orientar las acciones de preservación, restauración, uso sostenible y actividades productivas, en función de los elementos biofísicos que hacen parte de la EEP de la isla por participar en el desarrollo de su función social y ecológica; que además se están viendo afectados negativamente en cuanto a calidad, extensión y conectividad fundamentalmente por procesos de expansión urbana inadecuados, con el consecuente aumento en extensión y magnitud de las construcciones presentes en el litoral y en el suelo continental y la reducción de las fronteras entre los asentamientos urbanos y los biomas de la isla.