El Boletín virtual Voz a vos es una publicación académica seriada enfocada a la divulgación de las investigaciones y reflexiones artístico pedagógicas en las artes escénicas. Da cuenta de los eventos, las entrevistas, las reflexiones y la producción de la investigación creación de la comunidad académica.
La presente propuesta surge como una necesidad de innovar en las metodologías de enseñanza, dentro de los diferentes contextos artísticos y pedagógicos. Constantemente se pregunta por el quehacer del artista y sus diferentes “crisis” (Comprendida como este proceso creativo, que llega desde una dificultad o problema), es por esto que más que un simple elemento, el “caucho” se posiciona como una potente herramienta de intervención y respuesta a las diferentes preguntas metodológicas que permite transitar en lenguajes pedagógicos propios. El objetivo de esta metodología habita en la capacidad de transformar las experiencias sensibles, facilitando al participante una frecuencia propia y estados corporales que enfrenten el objeto o la metodología planteada. La didáctica se estructura en una progresión lógica que va desde una consciencia individual a lo colectivo. Se introduce el concepto de “enredarse y desenredarse” como una metáfora a la “crisis”, como formas y maneras de explorar y enfrentar cuerpos, que se conviertan en un apoyo y desafío respetando siempre los ritmos y motivaciones personales. A través de la exploración surge la necesidad del trabajo grupal, colectivo; el caucho actúa como un conector de movimientos, permitiendo que las secuencias, los ritmos, evolucionen orgánicamente hacia propuestas escénicas. El proceso culmina en un espacio de conversaciones pedagógicas, se reflexiona sobre cómo el proceso genera una mediación en contextos, individuos fértiles, el caucho se presenta como un mediador que facilita la creación, alternativas para la intervención en una realidad corporal y social de quien participa, esta dinámica permite que el artista-docente se llene de recursos en sus “crisis” y tenga la posibilidad de tener constantes descubrimientos.
Reflexiones pedagógicas sobre las artes escénicas
Derechos de autor 2026 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
De la experiencia a la escena: Creación de personajes festivos. Estudio de caso - Personaje Quinde Colibrí.
Esta ponencia expone el proceso de creación y evolución del personaje Quinde Colibrí en la obra Rumba Vital, versión libre de Rumba Vida del Teatro Taller de Colombia, desarrollada en el marco del curso Montaje Interdisciplinar Teatro, Fiesta y Carnaval 2025-I de la Licencitura en Artes Escénicas de la Universidad Antonio Nariño. Esta investigación se sitúa en el campo de la investigación-creación y tiene como propósito presentar las experiencias artístico-pedagógicas que aportaron a la construcción de este personaje festivo. Se resalta la importancia de los procesos experienciales en la formación de maestros artistas investigadores, entendiendo el carnaval no sólo como una manifestación cultural, sino como un espacio pedagógico, político y creativo.
Técnica y utopía y el cuerpo en la ciudad
Este texto que está escrito para ser dicho como ponencia y ser acompañado de gestos performativos, reflexiona sobre la relación entre cuerpo, ciudad y práctica escénica a partir del proceso de investigación-creación Tacto con-tacto desarrollado en el semillero Técnica y utopía. En diálogo con planteamientos de pensadores contemporáneos, el semillero pone sobre la mesa problemáticas como la hipercomunicación y la violencia naturalizada y plantea a través del entrenamiento de técnicas disciplinares como Suzuki, Viewpoints, danza contacto, una ruptura de la cotidianidad que resignifica el espacio público de quienes lo transitan. El proceso de investigación consignado en estas páginas, devela la posibilidad de creación a partir de la exploración del cuerpo individual-relacional en medio de dinámicas de ciudad, que favorecen la productividad por encima del afecto, la cercanía y el contacto.
Sentir/Interpretar: Puesta en escena accesible para comunidad en el espectro autista.
La investigación-creación en proceso El toro y el torero: indagaciones, experimentación y reflexiones en torno a las relaciones de poder en los pregrados musicales en Bogotá, Colombia, desarrollada en el marco de la Maestría en Estudios Artísticos, cuestiona las dinámicas de poder dominador/dominado presentes en la academia. Como elemento movilizador de esta reflexión surge la puesta en escena Sentir/Interpretar, concebida para dialogar con población dentro del espectro autista. La obra narra la experiencia de un estudiante de música que enfrenta una situación de pánico escénico durante un examen ante una maestra formada en una academia europea, poniendo en tensión relaciones de autoridad, evaluación y control. La puesta en escena articula actuación, diseño lumínico y elementos sensoriales, utilizando luces de colores específicos para representar las emociones predominantes del protagonista. Este recurso busca facilitar la identificación emocional y la empatía en personas dentro del espectro autista, especialmente en aquellas que experimentan dificultades para reconocer y comprender los estados emocionales ajenos. Igualmente, se aborda el potencial de las artes escénicas como medio de comunicación sensible e inclusivo para la población dentro del espectro autista, así como el proceso de concepción de la puesta en escena. Asimismo, se presenta un análisis de las presentaciones realizadas y la recepción de la obra por parte del público, reflexionando sobre su impacto y alcances dentro de la comunidad participante.
Lo políticamente incorrecto: El arte morboso del pervertimiento auditivo.
Este artículo reflexiona sobre la configuración de la categoría de perversión no como una cualidad intrínseca, sino como un mecanismo sociocultural e histórico destinado a delimitar las fronteras entre lo normativo y lo prohibido. A través de una revisión interdisciplinar que abarca la antropología, la sociología y el psicoanálisis, se examina cómo lo designado como perverso adquiere una potencia simbólica que transmuta en morbo: una fascinación colectiva y curiosidad insaciable por lo transgresor. Esta investigación se central en la experiencia estética de la dramaturgia radial "Historias perversas – oídos morbosos". Esta obra propone un desplazamiento del ocularcentrismo —la hegemonía de la mirada en la tradición occidental— hacia una inmersión puramente auditiva. El teatro sonoro se constituye aquí como un dispositivo político y pedagógico que invita al espectador a confrontar lo moralmente ambiguo.
El placer de habitarme: expresión corporal enfocada en la sensualidad, burlesque y pedagogía para sanar desde la escena.
Esta ponencia expone la expresión corporal enfocada en la sensualidad y el Burlesque terapéutico como herramientas pedagógicas, artísticas y terapéuticas para la resignificación de traumas, la construcción de amor propio e identidad en mujeres mayores de edad, que han vivido el rechazo en distintos ámbitos (afectivo, familiar, social, escolar, laboral), generando impactos profundos en su relación con el cuerpo, la autoestima, la autoimagen y la sensualidad. Esta reflexión nace de la historia de vida Paula Andrea Beltran Garzón desde una mirada crítica y sensible, se propone visibilizar cómo las artes escénicas y las pedagogías corporales alternativas, pueden ofrecer caminos de autodescubrimiento, liberación emocional y transformación individual y social.
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La danza como práctica pedagógica y social para la configuración de proyectos de vida en el semillero de danza del SENA Mosquera
La investigación, en curso dentro de la Maestría en Didáctica de las Artes Escénicas de la Universidad Antonio Nariño, analiza la danza como territorio escénico en la construcción de proyectos de vida de jóvenes del semillero de danza del SENA Mosquera. Se parte de la premisa de que la danza no solo constituye una práctica estética, sino un espacio pedagógico y social donde confluyen memoria, identidad y procesos de transformación comunitaria. El problema de investigación se origina en el contexto de Mosquera, Cundinamarca, donde los procesos de urbanización y homogeneización cultural han debilitado los referentes tradicionales, afectando la participación juvenil en expresiones artísticas. Ante esta situación, se plantea la pregunta: ¿Cómo desde la danza y los territorios se puede construir un elemento que contribuya a la transformación del proyecto de vida de los aprendices del semillero de danza del SENA de Mosquera? El marco teórico se fundamenta en categorías como el cuerpo como archivo vivo (Taylor, 2003), el imaginario instituyente (Castoriadis, 1975), la memoria colectiva (Ricoeur, 2000), la pedagogía crítica (Freire, 2005) y la danza como práctica social y política (Schechner, 2002; Lepecki, 2006). Metodológicamente, se proyecta un enfoque cualitativo y participativo que integre laboratorios de creación, cartografías y diarios reflexivos. Se espera que los resultados fortalezcan la comprensión de la danza como herramienta de formación integral, memoria y transformación social.
La danza como medio para acompañar el desafío migratorio que enfrentan los estudiantes próximos a egresar de la I.E.D. República de Corea de la Peña, Cundinamarca.
Esta investigación se propone la articulación de la danza con una problemática social como es la migración juvenil en contextos rurales. La danza no solo como un acto repetitivo, sino como una herramienta pedagógica y transformadora capaz de generar vínculos, fortalecer identidades y acompañar emocionalmente a los jóvenes que enfrentan procesos migratorios. El objetivo es comprender de qué manera la práctica dancística puede servir como un medio de acompañamiento sensible y emocional, permitiendo que los estudiantes narren y resignifiquen sus experiencias migratorias, construyan memoria colectiva y encuentren espacios de expresión para su identidad cultural. Este enfoque busca ir más allá del espectáculo, situando la danza como un recurso de contención emocional y social. En el plano metodológico, la investigación adopta un enfoque cualitativo basado en la Investigación Acción Participativa. Esta elección metodológica busca de que los estudiantes no sean únicamente sujetos de estudio, sino protagonistas en la creación de conocimiento. Para ello se tienen contempladas algunas posibles estrategias de recolección de información como talleres de danza, entrevistas, diarios de campo y observación participativa, que podrían posibilitar la construcción colectiva de experiencias y saberes. Los participantes son estudiantes próximos a egresar de la I.E.D. República de Corea, especialmente aquellos que tienen dentro de sus planes de vida migrar o ya se encuentran en proceso de migración. También se tiene contemplada la participación de diferentes actores de la comunidad educativa, con el fin de enriquecer el análisis, planificar el acompañamiento y hacer seguimiento a la implementación de la propuesta. La investigación nace a partir de la necesidad de responder a una problemática social identificada en la Peña, especialmente en la IED República de Corea, los desafíos emocionales, sentimentales y culturales que enfrentan los estudiantes ante la migración, muchas veces sin un acompañamiento institucional ni familiar adecuado. Además, su alcance va dirigido no solo a los estudiantes migrantes y sus familias, sino también a instituciones educativas y entidades que buscan promover el bienestar emocional y la cohesión social juvenil.
Juego, expresión y colectividad: una experiencia de creación escénica conjunta infantil
La presente investigación tiene como objetivo la creación de una obra de teatro infantil basada en las emociones, desarrollada en el marco de un laboratorio de creación escénica en el marco del juego dramático con niñas y niños de 9 a 12 años del Instituto Diversificado Albert Einstein, en Mosquera. El estudio busca comprender cómo el proceso de creación y representación teatral, a partir de las emociones, contribuye al desarrollo de la creatividad, la imaginación y las habilidades expresivas en un contexto escolar. El proyecto se estructura en un laboratorio de creación escénica en etapas progresivas que incluyen una fase de sensibilización mediante referentes literarios y audiovisuales (El monstruo de colores, Intensamente 1 y Jack y la mecánica del corazón), seguida de actividades de juego dramático orientadas a la creación de personajes y situaciones. Estas producciones sirven como base para la construcción de una propuesta dramatúrgica colectiva, que culmina en una puesta en escena abierta a la comunidad educativa. La investigación se enmarca en una metodología de investigación-creación, que considera el acto artístico como forma legítima de producción de conocimiento. La recolección de datos se realiza a través de diarios de campo, registros audiovisuales, ejercicios escénicos y conversatorios grupales, lo que permite una comprensión experiencial del proceso creativo.
La Danza folclórica como estrategia pedagógica para la inclusión educativa
La investigación tiene como propósito diseñar una estrategia pedagógica basada en la danza folclórica que favorezca el desarrollo integral de los estudiantes en condición de discapacidad de los grados octavo a undécimo de la Institución Educativa Departamental Miguel Antonio Caro de Funza, Cundinamarca. La educación inclusiva en Colombia, sustentada en normativas como la Ley General de Educación 115 de 1994 y el Decreto 1421 de 2017, plantea el reto de garantizar aprendizajes significativos y la plena participación de todos los estudiantes en entornos escolares comunes. Frente a este contexto, la institución ha implementado la danza folclórica como una estrategia pedagógica que promueve no s el desarrollo de habilidades motrices, cognitivas y socioemocionales. La metodología adoptada corresponde a la sistematización de experiencias bajo el paradigma cualitativo, siguiendo la propuesta de Jara (2001). Para ello, se emplean técnicas como la observación participante, entrevistas a docentes y estudiantes, y el análisis de registros institucionales y talleres comunitarios. Este enfoque permite reconstruir y analizar el proceso vivido desde el año 2009, cuando la institución integró estudiantes en condición de discapacidad a las aulas regulares, favoreciendo la participación y la convivencia. Los resultados parciales evidencian que la danza folclórica ha contribuido a la inclusión social, al desarrollo emocional y al fortalecimiento de valores como el respeto, la solidaridad y la empatía tanto en estudiantes con discapacidad como en sus compañeros regulares. Así, esta investigación ofrece un aporte práctico y contextualizado para la educación inclusiva en Colombia, mostrando que el arte, y en particular la danza, puede ser un motor de transformación pedagógica y social.
Revisión del Estado del Arte sobre la Autogestión, Sostenibilidad y la Continuidad de los Festivales de Danza en Bogotá
Para este artículo, se establecen las categorías economía, cultura y festivales independientes de danza, estas dimensiones son el enfoque teórico y conceptual, para la ejecución del estudio, se emplea una metodología mixta (cualitativa y cuantitativa), que permite en este proceso inicial, dar alcance en la revisión y análisis de literatura, hallando otras temáticas como territorio, distritos creativos, bienes y servicios culturales y economía creativa, temas relevantes para la investigación. Asimismo, el presente documento muestra los resultados iniciales de la implementación de un instrumento que da línea para el diseño de mecanismos de organización, sistematización y documentación, que ayuden a mitigar, la problemática de sostenibilidad que presentan gran parte de los festivales independientes de Bogotá. Como primeros hallazgos se corrobora la importancia de los análisis y la ejecución de estudios, que establezcan la concordancia y articulación entre economía, cultura y los festivales independientes, promoviendo estrategias que permitan la autogestión y sostenibilidad.
El saber, el hacer y el ser en la formación teatral.
Esta reflexión pedagógica destaca la importancia de las escuelas de artes escénicas en nuestro contexto actual, donde el teatro se erige como un arte con potencial transformador. Hace énfasis en que la formación actoral debe integrar teoría y práctica de manera orgánica, conectando el saber, el hacer y el ser, donde el cuerpo entrenado del actor se convierte en un instrumento de expresión psicofísica. A través de la experimentación práctica, la confrontación con la teoría y la reflexión constante, el interprete desarrolla un lenguaje escénico, construye personajes y contribuye al poder político y transformador del teatro, aprende fundamentalmente "haciendo teatro" en un proceso colaborativo y único.
Volver a ser niños: arte, juego y memoria en la creación interdisciplinar
Este artículo presenta una reflexión en torno a la importancia de la interdisciplinariedad en el arte contemporáneo, a partir del proceso creativo de la obra Jugando a ser hormigas, una propuesta escénica que articula danza, música y teatro. Se plantea cómo la integración de distintas disciplinas permite un diálogo horizontal entre lenguajes artísticos, fomentando procesos de creación colectiva que interpelan al artista no solo desde lo técnico, sino también desde lo sensible, lo simbólico, lo vital; un encuentro introspectivo. La obra, concebida como homenaje al maestro, investigador y artista Abelardo Jaimes, se convierte en un acto de sanación y reencuentro con la esencia del acto creativo: el juego, la exploración y la pregunta constante.
Violencia intragénero y las artes escénicas como estrategia de transformación social
Las artes escénicas, como herramienta pedagógica, tienen el potencial transformador de visibilizar y resignificar las dinámicas de convivencia escolar. En contextos marcados por la violencia intragénero, como el evidenciado en la Institución Educativa Ciudadela Sucre – Sede B en Soacha, estas expresiones artísticas pueden ser un medio para canalizar emociones, construir narrativas colectivas y fomentar vínculos solidarios entre las estudiantes. La investigación presentada reconoce la necesidad de abordar el matoneo entre mujeres desde un enfoque que integre la sororidad, entendida como una apuesta ética y política por la empatía, la escucha y el cuidado mutuo. A través de metodologías mixtas, se identifica cómo el arte puede abrir espacios seguros para el diálogo y la reflexión, promoviendo competencias socioemocionales claves para la convivencia pacífica. En este sentido, se plantea que las artes escénicas no solo permiten representar conflictos, sino también transformarlos, al cultivar la capacidad de ponerse en el lugar del otro. Esta experiencia invita a pensar la escuela como un escenario donde, más allá de aprender contenidos, se aprende a convivir, a ser con otros y, especialmente, a ser con otras desde el respeto, la equidad y la hermandad femenina.
La acción física como experiencia en el proceso de creación de “La casa de los Cojos”
En el presente artículo se busca presentar los resultados del proceso de sistematización de la obra “La casa de los cojos”, producida dentro de la Universidad de Caldas, con apoyo de la Facultad de Artes y Humanidades y la Vicerrectoría de Investigaciones y posgrados. El objetivo del proyecto fue Comprender las posibilidades creativas y formativas que brinda la exploración de la dramaturgia clásica a través de la experimentación escénica con las Acciones Físicas. La metodología complementa la creación colectiva desde una perspectiva fenomenológica, introduciendo entrevistas con el equipo actoral del proceso creativo. Presentamos una aproximación taxonómica a los tipos de acción física experimentados por los actores durante el proceso de laboratorio creativo y una perspectiva general de la gira desarrollada con el espectáculo en el eje cafetero.
Artista de límite: contestatario, político y transgresor
Entender el rol cómo artista escénico parte de reconocernos como habitantes de un contexto especifico, a partir del cual vivimos las artes y el ejercicio creativo. Este escrito manifiesta las convicciones que, como artista–docente, mueven mi quehacer, desde una postura política, emancipatoria, contestataria y transgresora que cuestiona los dispositivos establecidos del poder económico, artístico y social.
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Un buitre que no come carroña: reflexiones sobre el personaje y nuestras realidades sociales.
La ponencia explora el símbolo del buitre en la obra Reino de Carroñeros como representación del desencanto social y político. A través de las voces de Kelly Rojas, de séptimo grado, y Salomé Cárdenas, de cuarto grado, integrantes del grupo de teatro ALCATOE del Colegio Álvaro Camargo de la Torre ETB, se examina cómo este personaje, harto de alimentarse de carroña, simboliza la frustración de aquellos que desean un cambio real en sus vidas, en lugar de conformarse con las migas que ofrecen los gobernantes. El análisis del texto dramático revela cómo las características del buitre reflejan la lucha por la dignidad y el derecho a aspirar a más, desafiando las dinámicas de poder y reivindicando un espacio para la esperanza y la acción social. La ponencia también invita a reflexionar sobre las expectativas sociales y el papel que los personajes juegan en la construcción de la realidad colectiva. Se subraya la importancia de no resignarse ante lo establecido y de buscar nuevas posibilidades. Además, se discute cómo el teatro puede funcionar como un poderoso vehículo de crítica social, promoviendo el diálogo y la toma de conciencia en la comunidad.
Aproximaciones al Teatro indigenista en la escena contemporánea
La pregunta de si existió o no el teatro precolombino es muy importante para la actualidad del teatro y la sociedad colombiana. Si bien no existió en nuestros territorios un teatro similar al occidental que conocemos nacido de las fiestas dionisiacas o sus formas romanas o medievales, si debemos reconocer que gracias a los estudios de Fernando González Cajiao, Rosario Jaramillo, Carlos José Reyes y Marina Lemus, Liliana Alzate, Carlos Araque, Zapata Olivella, Floresmiro Masabel, entre otros, junto a las múltiples crónicas de indias, descubrimientos arqueológicos, antropológicos, lingüísticos y culturales así como a la relación con las comunidades indígenas y su oralidad, que sí existieron en tiempos precolombinos múltiples comunidades indígenas que realizaban fiestas, celebraciones, sacrificios, ofrendas, procesiones y actos rituales cuyos elementos e intencionalidad se asemejan tanto al origen como al desarrollo de lo que conocemos hoy como teatro. Las similitudes y paralelismos encontrados entre los rituales al dios Dionisos y las danzas, cantos y sacrificios del Dios Muiscas Fu, Fo o Nemcatacoa son una evidencia de ello. El carácter festivo, sagrado y comunitario del teatro se avivo de diferentes formas en ambos territorios. Las manifestaciones escénicas precolombinas y su cercanía con la ritualidad, la magia, la medicina, la oralidad, el mito, lo antropomorfo y actualmente con una serie de reivindicaciones políticas, sociales en pro de la inclusión, la igualdad y la identidad hacen que la relación Teatro – comunidades indígenas – educación cobre fundamental importancia en el teatro moderno y nuestro presente escénico. Más allá de hacer un estudio exhaustivo sobre los citados autores y sus obras que son de consulta pública, nuestro interés es reconocer la importancia de sus trabajos revelando algunas resonancias que para la escena teatral contemporánea, a partir de difundir parte de la exploración escénica de la Fundación Artística y Cultural Inti Amaru, preguntándonos ¿Cuál podría ser el papel de los profesionales en artes escénicas frente a la actualidad de las comunidades étnicas? Indagación que desde el 2019 nos llevó a contemplar la creación del concepto de Teatro Indigenista y con el cual iniciamos un movimiento teatral con acciones como conversatorios virtuales, laboratorios de formación, temporadas de circulación, publicaciones y la creación del Festival de teatro indígena y afrocolombiano que cumple este año IV versiones y al cual están cordialmente invitados en Bogotá.
Enfoques didácticos estratégicos para superar la discriminación en contextos educativos vulnerables
Se explora la necesidad de una transformación profunda en las prácticas pedagógicas para lograr una educación verdaderamente inclusiva. Se enfatiza que la inclusión va más allá de la mera integración física de estudiantes con discapacidades o diferencias en el aula. La verdadera inclusión implica un compromiso con la equidad, la justicia social y la valoración de la diversidad en todas sus manifestaciones. Un aspecto clave es la importancia de la pedagogía crítica como herramienta para cuestionar y transformar las estructuras educativas tradicionales que perpetúan la exclusión. En lugar de adaptar los métodos pedagógicos después de la integración, se propone que la inclusión debe estar integrada en el diseño pedagógico desde el inicio, para asegurar que todos los estudiantes, independientemente de sus diferencias, tengan acceso equitativo a la educación. Se subraya la necesidad de reestructurar los contenidos curriculares para que reflejen y valoren las diversas experiencias, conocimientos y culturas de los estudiantes. Este enfoque debe ser interseccional, considerando cómo factores como la raza, el género, la clase y la discapacidad interactúan y afectan la experiencia educativa de cada estudiante. Otro punto fundamental es la importancia de la participación activa de los estudiantes en su proceso de aprendizaje. Escuchar y valorar las voces de aquellos estudiantes que han sido históricamente marginados es esencial para construir una educación inclusiva que responda a sus necesidades y perspectivas. Finalmente, aunque la implementación de una educación inclusiva enfrenta desafíos significativos, incluyendo la resistencia institucional y cultural, se destaca la necesidad de persistir en la lucha por una educación más justa. La redefinición del concepto de inclusión en el sistema educativo es esencial para crear un entorno donde la diversidad sea celebrada y todos los estudiantes puedan participar plenamente en su educación.
Este texto dramatúrgico es el resultado de la permanente necesidad de escuchar la voces de los que por la violencia en nuestro país y el mundo han perdido la vida a manos de grupos armados. Es la conversación de dos trozos de hombres que esperan en una fosa común, que alguien venga a decirles que día es. Con una gran influencia Beckiana y por la canción Bohemian rapsody de Queen escrita en 2011.
Relaciones entre el teatro festivo y la teoría de Géneros dramáticos de Luisa Josefina Hernández
Las festividades, el teatro y la escena son una fuente de inmensa riqueza escénica en México. Las llamadas festividades populares se presentan desde la época de la Colonia y posteriormente en el México Independiente, produciendo complejas interacciones ent re las culturas originarias, culturas europeas, culturas afrodescendientes además de las que provienen de la industria cultural del siglo XIX y siglo XX, dando como resultado un dinámico mestizaje cultural que conforma el patrimonio del llamado Arte popula r. El teatro festivo, la escena de calle, el teatro procesional mexicano como tradiciones vivas y en movimiento se adaptan, mezclan y transmutan en una escena enriquecida. Cuando el antiguo ritual se desacraliza tiende a tornarse en teatro normalmente inclinado al género de la farsa, cuyos mecanismos se pueden interpretar y explicar a través de la teoría de géneros dramáticos de la dramaturga, maestra y teórica mexicana Luisa Josefina Hernández, con su estudio sobre la farsa, buscando contribuya a aclarar dich as características y su funcionamiento mediante personajes tipo o simples, tono festivo y mecanismo de sustitución o simbólico para producir así la catarsis fársica.
La obra Tríptico místico. Polaroid, instantáneas de una noche, es el resultado de un proyecto que evalúa el modelo de investigación-creación propuesto por la investigadora, desde la complejidad. Esta evaluación se da en una experiencia de creación que parte de pensarse la construcción del amor y el desamor en 6 actrices-investigadoras que habitan entre el S. XX y el XXI. En esa construcción de los imaginarios sobre el amor, se llega al tarot, y a través del él, al arcano XV, El diablo. Sin embargo, al recolectar los datos desde los niveles mental y místico de las investigadoras, el diablo, como personaje, atmósfera y esencia de la obra, se construye en relación con el diablo festivo del carnaval. Esta ponencia evidencia los trayectos de producción de conocimiento, que tienen las investigadoras-creadoras en la creación de la obra.
Temas tabú y lo festivo en el teatro para las infancias
Este artículo intentará abordar de algunas formas posibles primeramente colocar la importancia del teatro para las infancias o llamado también teatro para niños dentro de las asignaturas pertinentes en las escuelas de teatro de nuestro país, México.
Derechos de autor 2024 María Elizabeth Vargas González https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
En el programa académico de Licenciatura en Artes Escénicas; especialidad Actuación y Danza Contemporánea (formación de actores y bailarines) de ocho semestres, se imparten solo dos semestres la asignatura Voz I y Voz II, el programa de la materia uno, tiene como objetivos específicos: “Manejará su expresión vocal a través de la interpretación creativa de textos poéticos, incluyendo en ello trabajo corporal de manera consecuente” y parte del contenido temático señala: “Interpretación creativa (a evaluar). El verso libre: Análisis por ideas, Revisión de sus sonidos, Ritmo, Ejercicios vocales, El resto del cuerpo en el texto poético; lo cual implica una desventaja para los actores en formación en tanto que carecen del conocimiento del teatro Clásico del barroco y su interpretación.
Derechos de autor 2024 Luis Ricardo Gaitán Osorio https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A.N.S.A.Dramaturgias liminales de una abeja en la ciudad
Este artículo puede ser leído como un enjambre de conclusiones, reflexiones, experiencias o decisiones políticas que emergen de la actual investigación desarrollada desde la modalidad de Investigación/Creación y se instala en el diálogo de Arte, Ética y Política de la Maestría en Arte, Educación y Cultura, de la Universidad Pedagógica Nacional. Se establecen relaciones entre las prácticas performativas situadas del “Yo” profesor- creador y los espacios públicos urbanos, evidenciando la vida de las abejas como un universo simbólico por sus modos de habitar y construir su colmena, la forma en que se comunican, el trabajo ininterrumpido durante toda su vida y el “espacio abeja” entendido en esta investigación como un lugar de tránsito en la colmena, un espacio Liminal.
Derechos de autor 2023 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Fuenteovejuna a lo llanero, entre versos y joropos.
Este texto hace parte de la memoria de la sistematización de la obra Villaovejuna, versión libre de Fuenteovejuna de Lope de Vega, resultado de los cursos de Danza llanera y Teatro de la edad media y del renacimiento, del Departamento de Artes escénicas de la Universidad Antonio Nariño de 2022-2. Se realizó el análisis de esta experiencia artístico pedagógica a partir de la sistematización de las experiencias del proceso creativo de la obra, lo cual permitió reconocer las estrategias fundamentales del proceso de creación; el trabajo con los textos en su adaptación al contexto llanero y cómo ligar la acción de la obra con el joropo, para que el verso se transformara en imágenes que se representaron en la escena, estas fueron tejiendo cada momento escénico y así se estructuró la obra, a partir de esto se llegó a la reflexión sobre la importancia de las decisiones escénicas y pedagógicas para la comprensión de los clásicos en nuestro contexto.
Urdimbrar es una obra transdisciplinar de teatro performático que le apuesta a circular las voces de víctimas LGBTIQ+. Para ello, se tomó como punto de partida tres testimonios presentes en el Volumen Testimonial del informe final de la CEV, publicado en 2022. Cinco cuerpos en escena bailan, cantan, se enfrentan, caen y se levantan, pero sobre todo, manifiestan su voz de resistencia ante una sociedad que ha sedimentado unas lógicas heteropatriarcales que han devenido muerte y aniquilación. Pero Urdimbrar no solo es lamento —aunque cuanto conviene serlo en esta sociedad marchita—, también es una propuesta para establecer lazos fuertes como base para el tejido social. Urdimbrar es un llamado a la acción, a observarnos a la cara, a sentir nuestros cuerpos, a reconocer nuestras diferencias.
El teatro como lenguaje artístico y social para dialogar frente a las violencias basadas en género en el marco del XXXII Festival de Mujeres en Escena por la Paz
Entendiendo el teatro como lenguaje crítico y posibilitador de paz, asisto al Festival de Mujeres en Escena por la Paz, realizado del 4 al 13 de agosto, creado y dirigido por Patricia Ariza quien consciente de la realidad del país y acompañada por un grupo de mujeres consolida un encuentro que tiene tres factores que lo hacen único e importante para la sociedad: las mujeres, el teatro y la construcción de paz. Este festival cuenta con la participación de mujeres y artistas que buscan generar diálogos entre las artes y la responsabilidad social que tenemos todas y todos como sujetos políticos. El presente año fue la versión número treinta y dos, en esta ocasión se presentaron ochenta y cinco obras de teatro, danza y performance en noventa y cinco funciones, involucrando treinta y dos escenarios. Cuarenta grupos fueron de Bogotá, pero contaba también con la participación de veintitrés grupos nacionales y diecinueve internacionales. Además de lo anterior, en este festival de mujeres se realizaron siete talleres, lanzamientos de libros y un recital de poesía. El evento de cierre fue el XII Encuentro Polifónico de Mujeres y Paz en el que lideresas, artistas y mujeres de todas las edades tuvimos la oportunidad de encontrarnos, escucharnos y reconocernos de manera colectiva, teniendo en cuenta distintos saberes y voces, para construir propuestas para avanzar en la paz con mujeres de distintos países y territorios de Colombia. Este encuentro tiene como objetivo reflexionar sobre los compromisos, prioridades y retos que tenemos para conseguir transformaciones sociales, políticas, económicas y culturales. Tuve la oportunidad de asistir a diez obras y de entrevistar a siete mujeres actrices, directoras, dramaturgas y artistas, que contribuyen desde el arte a generar un cambio social. Esta investigación se ha sistematizado en mi trabajo de grado: El teatro como lenguaje artístico y social para dialogar frente a las violencias basadas en género en el marco del XXXII Festival de Mujeres en Escena por la Paz.
Este trabajo investiga la naturaleza de las acciones creativas, teniendo como inspiración y referencia el Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete -ubicado en Colombia- y sus pinturas rupestres desde hace 20.000 años hasta hoy. Este contexto se contrasta con el de la ciudad de Bogotá y sus procesos artísticos contemporáneos, con el fin de rastrear elementos transversales, así como diferencias, sobre el arte y la vida. Se aclara que este trabajo no pretende hacer un análisis exhaustivo de las cosmovisiones de las comunidades indígenas que habitan el territorio de Chiribiquete, ni de las condiciones biológicas del ecosistema. Para ello se remitirá a trabajos que sí se han dedicado a esto. Más bien, este proyecto en curso busca acercarse a lo que podríamos denominar como “componentes fundamentales de la acción creativa (arte)”. Esto con la intención de retornar hacia una cualidad más sensible en el “arte” y en la cotidianidad, fomentando una Vida Viva. Hasta el momento se han podido identificar algunos principios esenciales de la acción viva que hacen que esta se manifieste con mayor o menor pulsión. También, se han logrado precisar diferencias entre el contexto de Chiribiquete y Bogotá. Estas distinciones permiten entrever las respectivas dinámicas de relación entre el territorio que contiene a una comunidad y la cosmovisión práctica de la comunidad que habita dicho territorio. Esto, a su vez, permite apreciar la presencia o ausencia de nociones que operan como pilares culturales.
En el marco del curso Montaje Interdisciplinar Teatro, Fiesta y Carnaval de 2023 – I se realizaron dos EAPEAT, una al Carnaval de Barranquilla y otra al Carnaval de Negros y Blancos en Pasto, Nariño. Dentro del laboratorio de creación cada integrante escogió un personaje, disfraz o una danza de los diferentes carnavales y crearon letanías con relación a sus personajes, teniendo como referente El Festival de Letanías de Barranquilla.